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L'Art du théâtre

Shakespeare est né à l'époque élisabéthaine, c'est-à-dire sous le règne d'Élisabeth 1ère d'Angleterre (1558-1603). Surnommée la Reine Vierge, elle est la fille d'Henri VIII et d'Anne Boleyn. Son règne est marqué par une grande effervescence culturelle et artistique. Se poursuivant après le règne de la souveraine, ce type de théâtre s'épanouit en Angleterre pendant trois quarts de siècle soit de 1562 à 1642 au moment où le Parlement puritain ordonne la fermeture des théâtres.

Le théâtre élisabéthain est issu des fêtes saisonnières, des Mystères et des farces du Moyen Âge. Les acteurs sont souvent des amateurs, membres de corporations d'artisans jouant pour le plaisir dans des pièces de théâtre à sujet religieux qu'on appelle Mystères. Des mimes et des jongleurs ambulants se produisent aussi sur les places des villages, lors des foires. Associés aux vagabonds et menacés de prison, ils recherchent la protection de nobles.

Protégés par Lord Chambellan, Henry Carey, les six principaux acteurs des Comédiens du Chambellan (Chamberlain's Men) se regroupent en association. Chacun est actionnaire et reçoit une partie des revenus provenant des représentations. À la mort d'Élisabeth, son successeur Jacques 1er, prend sous sa protection la troupe qui devient les Comédiens du roi (King's Men). Shakespeare restera lié à cette troupe jusqu'à la fin de sa vie.

Les comédiens sont souvent adulés. Mais ils travaillent fort; ils jouent tous les après-midi, sauf le dimanche, ils tiennent plusieurs rôles et ne disposent en moyenne que de deux semaines pour monter une nouvelle pièce.

Les rôles de femmes sont tenus par des jeunes garçons encore pubères engagés comme apprentis auprès des comédiens plus chevronnés. Initiés dès leur plus jeune âge à chanter et à danser, leur diction et leur gestuelle les rendent convaincants dans les rôles féminins. Cette particularité explique le petit nombre de personnages féminins dans les pièces de Shakespeare. Ce n'est qu'après 1660 que les femmes seront admises pour jouer les rôles féminins.

Si Shakespeare est le représentant le plus connu du théâtre élisabéthain, plusieurs auteurs dont les plus connus sont Christopher Marlowe et Thomas Kyd, ont contribué à son succès commercial et populaire. Des constantes se dégagent : stylisation du décor, mélange de tragique et de comique, emprunts à la mythologie et aux chroniques historiques, prédilection pour la violence et la vengeance, mélange de truculence verbale et de poésie.

Le théâtre élisabéthain, en général :

Le Mime

Le mime est un geste de main et tout un geste du corps. Il existe depuis deux mille cinq cent ans. Ce théâtre devient de plus en plus à la mode. L’art du Mime : c’est le " théâtre en silence ".
L’acteur est habillé d’un maillot collant et a le visage maquillé de blanc, parfois sous un masque. Il nous décrit une histoire sans rien dire, avec des gestes.
Jusqu’au 19^ème siècle, le mime n’était que des danses. Il s’agit de poème ou de prose mis en scène. Le mime est né entre les deux guerres mondiales. Les acteurs font leurs mouvements dans le vide.

Il crée son propre monde
L’action scénique exige la présence d’un animal ou d’une chose ; le mime se change en l’un ou l’autre en variant ses mouvements et ses gestes. Il se déplace au rythme de son choix, il relie différents objets les uns aux autres. Ils disent des mots et ils font des gestes et des mouvements. Ils expriment avec leurs gestes et ils donnent le plus de détails possible en se déplaçant au cours de l’histoire. On voit donc la différence entre le mime et le théâtre. Les acteurs choisissent leurs propres gestes.
Le mime a créé le rythme de ses propres mouvements, choisit les gestes, un réseau d’images.
Les moyens d’expression dans le mime sont au nombre de trois : attitude, mouvement, geste. Cette attitude plastique est presque statutaire et exprime un état d’âme. Le visage n’est plus qu’un masque tragique, comique, selon le cas. L’attitude dure un seul instant puis elle se libère dans le geste. Enfin, les gestes se terminent.
En commençant le travail du mime, les acteurs travaillent les gestes dans leurs loges ou longtemps avant. Ils ne doivent pas faire de faux mouvements. Ils doivent bien exprimer l’histoire avec la souplesse de leurs gestes. L’art du mime est-il difficile à comprendre ? Tout dépend du talent de l’interprète.
C’est un mode d’expression qui exige un effort du public.

L'homme de théâtre

On possède peu de renseignements sur la vie de Shakespeare. Fils d’un notable prospère qui se ruinera assez vite, il naît en 1564 et épouse, à 18 ans, Anne Hathaway, qui lui donne trois enfants. De 1588 à 1592, il s’impose à Londres comme un acteur de talent et y anime, à partir de 1594, la troupe des " Lord Chamberlain’s Men ", qui donne ses représentations au théâtre du Globe et à la cour. Il se retire à Stratford après l’incendie du Globe (1613), comblé d’honneurs et de richesses, et meurt en 1616. La personnalité de Shakespeare reste en coulisse de son œuvre, car sa vraie vie est au théâtre.

Metteur en scène, auteur de 37 pièces, Shakespeare était aussi actionnaire de sa troupe. Il rédigea quelques recueils de poésie (Sonnets, 1600-1609), où les ornements pétrarquistes voilent à peine la violence des passions amoureuses, notamment homosexuelles. Après un énorme succès auprès de ses contemporains, son œuvre, éditée sept ans après sa mort, ne devait renaître qu’au milieu du XVIIIème siècle en Angleterre comme en France, où Voltaire et Diderot ont contribué à sa diffusion. Toutefois, c’est V. Hugo, qui voit en lui le père du romantisme, qui a sans doute le mieux fait comprendre en France toute la richesse et la modernité de l’œuvre du dramaturge.

La Comédie du pouvoir et de l'amour

Comédies légères (la Comédie des erreurs, v. 1592 ; la Mégère apprivoisée, 1593-94 ; les Deux Gentilshommes de Vérone, v. 1594 ; Peines d’amour perdues, 1594-95) et drames historiques (Henri VI, 1589-1592 ; Richard III, 1592-93 ; Titus Andronicus, 1593-94) témoignent de la virtuosité originelle du dramaturge. Jeux de mots, complication des intrigues, mélange de genres, tout, même la représentation d’un passé macabre, concourt à la glorification du règne d’Elisabeth. Bien que misogyne, Shakespeare présente des personnages de femmes (joués, selon la loi, par des hommes) fortes et volontaires. Roméo et Juliette (1594-95), Richard II (1595), le Songe d’une nuit d’été (1595), le Marchand de Venise (1596) opposent l’amour aux divisions de la cité. Ces contradictions déchirantes sont levées miraculeusement par le nationalisme ou artificiellement par les grâces de la comédie (Henri IV, 1597-98 ; Beaucoup de bruit pour rien, v. 1598 ; Henri V, 1598-99). La violence de l’amour et de l’histoire, l’idéalisation des gentils estompent l’apologie royale, et la tragédie est constamment frôlée. Jules César (1599), Comme il vous plaira (v. 1599), les Joyeuses Commères de Windsor (v. 1600-01) et surtout la Nuit des rois (v. 1600-01) achèvent cette période sur l’évocation d’une androgynie bienheureuse à laquelle seule la scène peut donner refuge.

La tragédie de l’héroïsme:
Brutus et Hamlet (1601), vengeurs calamiteux, inaugurent la phase tragique : celle de la noblesse gâchée, où un ordre gangrené ne sera restauré que par l’amputation tragique du héros.

Hamlet: Hamlet apprend de l’apparition du roi, son père, que celui-ci a été assassiné par Claudius en accord avec la reine. Troublé, simulant la folie, Hamlet conduit sa fiancée Ophélie au suicide mais, par une reconstitution théâtrale du meurtre, il confond les meurtriers, les tue et meurt lui-même sous les coups du frère d’Ophélie.

Après la tragédie Troïlus et Cressida (1601) et Tout est bien qui finit bien (1602-1603), où la comédie grince merveilleusement, sonne l’heure des dissonances : tandis que l’amour mène la plupart du temps à la mort, la trahison trône désormais dans l’imagination de Shakespeare (Othello, 1604 ; Macbeth, v. 1605 ; le Roi Lear, 1606 ; Antoine et Cléopâtre, v. 1606).

Macbeth: Macbeth, cédant à l’ambition semée par les prophéties des sorcières et attisée par sa femme, lady Macbeth, tue le roi Duncan, son hôte. L’angoisse d’illégitimité et le remords le poussent à la tyrannie : hanté par le spectre de son ami Banquo, qu’il a fait assassiner, il sera exécuté par le fils de Duncan.

Vocabulaire

A l’époque de Shakespeare, les théâtres étaient construits selon un " Dispositif scénique " permettant de présenter plusieurs actions en même temps, et dans des lieux très différents:

Le Théâtre au Moyen-Age

Ce sont les manifestations religieuses qui, au Moyen-Age, ont donné naissance au théâtre.
Reportons-nous dans l’esprit du Moyen-Age, et rentrons dans l’église pour prier Jésus. L’Antiquité n’a aucune forme de spectacle : l’Eglise a interdit la représentation du théâtre romain, jugé trop souvent immoral.
Avec le temps, les exigences " scéniques " se précisent de plus en plus, il y a peu de personnes, peu de costumes, peu d’accessoires, peu d’espaces : cela devient insuffisant. La scène se déroulait auparavant à l’hôtel, elle prend place dans les nefs. Les représentations se font souvent plus complexes : elles se font sous le portique de l’église puis sur le parvis. Le théâtre médiéval est né.
Le nombre des personnes qui comprennent le latin diminue ; ce sont de véritables spectacles destinés à instruire et à divertir. Le théâtre finit par adopter la langue vulgaire (c’est-à-dire parlé par tout le monde). Les sujets gardent un caractère religieux, des périodes de la vie de Jésus, des histoires de martyrs, des récits moralisants. L’action fait intervenir de très nombreux acteurs qui se déplacent constamment dans le temps et dans l’espace. Il faut raconter, en un seul spectacle, la vie d’un saint. Le caractère particulier de ces sujets détermine un des principaux traits du théâtre médiéval.
Le scénario des scènes comprenait toujours la reconstitution de plusieurs lieux. Pour raconter la vie d’un martyr, on faisait apparaître la maison où il était né, l’école où il avait travaillé, le lieu où il avait vécu et on se contentait parfois d’un simple écriteau.
La variété des scènes fut telle que le surnaturel cotoyait souvent le comique. Le besoin de divertissement des spectateurs était satisfait lorsqu’un acteur tentait de contrefaire une personne connue et peu aimée. De ces scènes de la vie courante sont nés les " farces " et les " fabliaux ".
Peu à peu, au XVIème siècle, le théâtre abandonnera son caractère religieux pour devenir le miroir de la vie et des passions des hommes. C’est ainsi que le théâtre moderne fera son entrée dans l’histoire.

Le Théâtre Contemporain

Le théâtre est un jeu:
Le théâtre est, avant toute chose, un jeu. Mais ici, ce sont des joueurs dont le métier est de jouer : les acteurs. Le metteur en scène est appelé l’arbitre. C’est lui qui a cherché le jeu, l’histoire à faire jouer, l’auteur a inventé les personnages, l’histoire. Le metteur en scène fait travailler les acteurs : il les fait répéter pour apprendre le texte par cœur. L’action, les mouvements de personnages, sont prévus par l’auteur et par le metteur en scène. Quand ils savent leur rôle, seuls cette fois, les acteurs vont représenter la pièce.

Un seul mot, plusieurs significations:
Certains participants jouent : les acteurs. D’autres, les regardent jouer : les spectateurs.
Le lieu, où acteurs et spectateurs se retrouvent, s’appelle un théâtre. Le mot théâtre désigne ainsi, tout à la fois, une construction et le texte qui a été écrit pour être joué. Le théâtre, lieu architectural, est donc une maison qui comporte deux parties séparant les acteurs et les spectateurs. Une partie est destinée aux acteurs : la scène. Une autre partie est destinée aux spectateurs : la salle et ses annexes.

L’espace réservé aux acteurs : la scène
Les coulisses sont latérales à la scène, les cintres sont au-dessus de la scène, et de là descendent les décors. La scène est éclairée par une rampe lumineuse, par des projecteurs.
Au théâtre, les spectateurs ne peuvent pas interpeler les acteurs ni modifier l’action.

La seconde partie du théâtre: la salle
Le siège sur lequel le spectateur s’assoit est tourné vers la scène. Dès que l’obscurité règne, le silence s’établit dans la salle.
Le but du jeu au théâtre est de parvenir à créer l’ambiance de magie qui doit retenir le spectateur. Or, sans spectateur, le théâtre n’existe plus. Voici les clés du théâtre : texte, acteur, action, metteur en scène, représentation, scène, public.
Le théâtre moderne est une combinaison de ces éléments qui, parfois, privilégie l’un ou l’autre.

Les différentes sortes de théâtre:
Dans le théâtre contemporain, il y a des pièces de théâtre où l’on parle beaucoup. L’acteur y est avant tout un diseur.
Il existe d’autres formes de théâtre où l’on ne parle presque pas, où l’on se sert d’images. La couleur des costumes des acteurs, la teinte des décors, ont été étudiées pour que des gestes lents créent des effets picturaux. Dans d’autres théâtres, le spectateur n’est pas séparé de l’acteur, l’action traverse le public. Certains acteurs traversaient parfois le public debout.

Le théâtre et son environnement:
Le théâtre moderne est une combinaison de plusieurs éléments et d’influences variées. D’abord les fables, ensuite les impressions du dehors : les thèmes.
Il intervient aussi l’influence des autres disciplines artistiques. La photographie, le cinéma, la télévision obligent à suivre de plus près la réalité. Les acteurs jouent le réalisme : des situations réelles mais avec les tourments " d’âme " des personnages.
Le théâtre n’est pas réservé aux seuls adultes : il existe également des troupes pour enfants : certes, ce sont des adultes qui y jouent, mais ils le font pour des enfants. Leurs animateurs pensent que les enfants ont besoin d’un répertoire, d’une façon particulière de jouer. Le meilleur moyen de faire découvrir le théâtre aux enfants, c’est de les emmener voir de bons spectacles.
Pour aimer le théâtre, il faut en faire et chacun peut être un acteur amateur s’il le veut. Le théâtre est un moyen d’expression comme un autre. Il devrait être aussi indispensable que la parole ou la danse. C’est en jouant qu’on apprend le jeu.

Le théâtre s’apprend: Tout le monde peut faire du théâtre.

La Commedia Dell'Arte

Les personnages:

Pantalon:
C’est un marchand de Venise, il est vieux et toujours amoureux. Son costume est toujours rouge, il porte un masque brun avec un nez crochu, des moustaches et une barbe, il est avare. Le mot " pantalonnages " (divertissement) vient de ce personnage.

Isabelle:
Il y a peu de femmes dans la commedia dell’arte. Mais elles savent tout faire : danser, chanter, jouer la comédie et jouer d’un instrument de musique. Elles cachent leurs visages avec des masques.

Lélio:
Il est un amant, préférant l’action aux belles paroles. Son principal rival est Florindo.

Le Capitan:
Avec son grand nez, avec son immense épée, la pointe en l’air, cet homme de guerre est redoutable. Il a un casque et tout l’attirail d’un guerrier, mais il a peur de son ombre.

Colombine:
Elle a une robe rouge avec des croisillons bleus, un petit tablier et une coiffe blanche. Colombine portera le même costume qu’Arlequin et deviendra " Arlequin ".

Pédrolino:
C’est l’ancêtre de notre " Pierrot ", valet de Lélio et amant de Colombine. Il se reconnaît à son visage tout enfariné et à son costume. Il danse et saute comme Arlequin, mais il est malheureux en amour. Le personnage de Pierrot reparaît dans les " pantomines " donnés dans les foires en France à la fin du 18^ème siècle et au début du 19^ème siècle.

Le docteur:
Le docteur porte une longue robe et une toque noire, ainsi qu’un demi-masque qui lui cache seulement le front et le nez. Il dit des citations latines. Ce personnage est toujours plongé dans ses livres. Son vieil ami Pantalon vient souvent lui rendre visite à Bologne. Tous deux sont très avares. Mais le docteur est malheureux en amour.

Scapin:
Valet rusé et actif. Il aime les ruses, les fourberies. Il est toujours prêt à prendre la fuite quand ses affaires tournent mal. Il ne porte pas toujours de masque.

Polichinelle:
Polichinelle a pour ancêtre un personnage des courtes farces romaines. Il porte un masque noir et une sorte de chapeau haut de forme, blanc comme un pain de sucre. Il adore manger. Tantôt il est niais et stupide, tantôt il se montre rusé et malin. Polichinelle est fanfaron : il aime se battre. Il porte une bosse devant et une bosse derrière.

Arlequin:
Arlequin est le personnage de la commedia dell’arte le plus connu dans le monde entier. Son habit ressemble à un patchwork de morceaux de tissus de toutes les couleurs. Il porte un bonnet orné d’une queue de lapin ou de renard. Son masque au nez camus est noir.
Son caractère est celui d’un valet ignorant et simple dans le fond, mais qui fait tout son possible pour avoir de l’esprit, et pousse cette envie jusqu'à la malice. C’est un caméléon qui prend toutes les couleurs.

Au 17^ème siècle et début du 18^ème siècle, les comédiens étaient ambulants. La musique et les pitreries d’un valet masqué retiennent l’attention des badauds. Le " plateau " est assez élevé et se trouve à la hauteur des yeux d’un homme debout.

Pirouettes, grimaces, mimiques:
Acrobaties, lazzi, grimaces, coups de bâton appliqués vigoureusement provoquent les rires du public ; ce sont les comédiens ambulants qui ont dressé leurs tréteaux.
L’improvisation est en effet la principale caractéristique de ce théâtre italien, dénommé commedia dell’arte parce qu’il ne pouvait être joué que par des acteurs professionnels, des gens du métier.
Au 16^ème siècle, la comédie improvisée s’épanouit en Italie. C’est la commedia dell’arte.
En France, les soyeux italiens de Lyon, puis surtout Catherine de Médicis, attirent les premières troupes de comédiens italiens. Le public prend grand plaisir au spectacle de la commedia dell’arte.

Le Théâtre Grec

C’est la fête à Athènes en l’honneur de Dionysos, le dieu du vin et des vignes. C’est un personnage connu dans tout le pays. On trouve souvent ses exploits dans les livres d’histoire qui parlent de la mythologie.
De jeunes gens se dispersent dans la ville, font des blagues et des farces aux passants. Dans le petit village d’Eleusis arrive la fanfare.

Les origines de la tragédie:
Pour faire des cadeaux aux dieux, ils faisaient brûler des parfums et des animaux, pour les dieux de l’enfer, ils versaient un liquide sur le sol devant l’autel et aussi le sang des victimes. Certains savants pensent que ces sacrifices religieux ont fait naître la tragédie.

Les Grecs:
Souvent, les Grecs et les Romains avaient des masques ridicules pour la comédie. D’autres, plus sérieux, pour la tragédie. Les hommes pouvaient se déguiser en jeunes filles, en vieillards, etc...
Le théâtre grec comporte un vaste hémicycle à gradins où prend place le public. Cet hémicycle est taillé au flanc d’un côteau. L’arc de cette demi-circonférence est occupé par la scène toujours surélevée et souvent même très haute.
La scène s’adosse à un haut mur plus ou moins décoré qui lui sert de fond. Tout cela en plein air.
Les représentations s’y donnaient pendant la journée.

La pièce se jouait sur la scène. Le choeur qui, dans le théâtre grec, représente l’opinion publique, occupait l’aire hémicirculaire comprise entre la scène surélevée et le rang inférieur des gradins. L’autel de Dionysos est rituellement placé au centre de l’orchestre. L’action est donc double : le drame sur la scène, l’opinion publique dans l’orchestre.

Le Théâtre Romain

Les Romains ont presque copié sur les Grecs une partie de leur civilisation. Le théâtre est fait sur un terrain plat, ce qui fait que les spectateurs sont assis sur des gradins en hauteur. Le Colisée peut contenir 80 000 personnes, et, s’il prend feu ou tombe, toutes les personnes peuvent évacuer en moins de 10 minutes. Le théâtre est couvert et, sur le côté, il y a des édifices très grands servant de loges et de coulisses. A Rome, il y a de vieux et grands théâtres qui sont en vie et bien conservés.

La scène romaine:
La scène romaine est toujours percée de 3 portes pour que les acteurs entrent et sortent. La porte centrale est appelée la porte Royale et conduit à l’habitation de la personne jouant le rôle principal de la pièce, et ce personnage est nommé protagoniste. La porte à droite indiquait la demeure du deutéragoniste (qui est le deuxième rôle), et celle de gauche est la maison du troisième rôle ou tritagoniste. Il va sans dire que les rôles féminins étaient tenus par des hommes, les Romains interdisant l’accès du théâtre aux femmes, même au titre de spectatrices.

Les décors romains:
Sur les grandes scènes romaines, il était impossible de faire des décors comme maintenant, comme dans nos théâtres. Aussi, le cadre de la pièce, c’est-à-dire l’endroit où se déroule le drame, le tableau, comme on l’appelle alors, était représenté par des châssis à trois côtés qui représentaient 3 faces du théâtre qui tournent sur un point. Le châssis triangulaire est le premier décor du théâtre romain.

Le cothurne:
Les Romains portaient des chaussures qui s’appelaient les cothurnes et qui avaient 20 à 30 cm de talon. Les spectateurs étaient à 20 ou 30 mètres de la scène, alors les acteurs utilisaient des cothurnes pour se grandir. Ils devaient mettre des robes même si le rôle était un chevalier.

Les masques romains:
Les Romains mettent des masques tragiques ou comiques pour que l’on se concentre sur la voix de l’acteur. Ces masques font le rôle. Ces modèles rendent les acteurs réels. La bouche du masque sert aussi de porte-voix ; heureusement, avec ces précautions, les spectateurs pouvaient suivre parfaitement la scène même s’ils étaient éloignés. Les Romains ont d’ailleurs inventé, pour leurs théâtres, une acoustique parfaite, c’est-à-dire que les paroles dites sur la scène s’entendent de partout.

On n’a pas réalisé mieux jusqu'à ce qu’apparaissent des hauts-parleurs.

Acteurs romains:
L’acteur romain est un personnage considérable qui souvent arrive à réaliser une fortune énorme. Un acteur était d’autant plus idolâtré du public qu’il était plus emphatique dans sa diction, et plus outré dans sa mimique.
La déclamation scénique était d’ailleurs toujours soutenue et réglée par une flûte qui lui donnait le ton.
Les premiers jeux se déroulent en 364 avant JC, mais c’est l’année 240 qui marque le début du théâtre. Les Romains utilisent des théâtres en bois jusqu’en 56 avant JC, époque où le premier théâtre permanent est construit par Pompée. Le théâtre romain devient une construction en pierre de proportions gigantesques.
Toutes les fêtes attirent un public nombreux, souvent houleux et bruyant. Le théâtre romain mêlait, comme le théâtre grec, la parole au chant. Les rôles sont tenus par des acteurs masculins masqués. Les comédies devinrent finalement des oeuvres destinées à la lecture.

La tragédie

La tragédie est un poème dramatique où on parle d’histoire. La tragédie est une histoire qui se finit mal. En scène, nous mettons des personnages célèbres qui nous font voir la terreur, la pitié et des catastrophes. Auteurs de tragédies : Corneille et Racine sont nos grands tragiques.

La tragédie-comédie:
Oeuvre dramatique qui tient de la tragédie et de la comédie. En France, au XVIIème siècle, c’est une tragédie dont le dénouement est heureux.

Le tragi-comique:
Contient du tragique et du comique.

L’action de toute tragédie devant se dérouler dans un lieu unique (selon la règle des trois unités), dès le XVIIIème siècle, on a eu l’idée d’inventer un décor-type représentant la cour intérieure d’un palais avec des grandes portes, des marches imposantes, des portes s’ouvrant à la dérobée et des colonnes de faux marbre...

Ce " palais à volonté " était utilisé pour toutes les tragédies.